专辑歌曲：
专辑介绍：
【音乐剧概念专辑】
“真的，我不知道我为什么这样闷闷不乐？你们说见到我这样子，心里觉得很厌烦，其实我自己也觉得很厌烦呢。
可是，我怎样会让忧愁沾上身，这种忧愁究竟是怎么一种东西，它是从什么地方产生的，我却全不知道。
忧愁，已经使我变成了一个傻子，我简直有点自己都不了解自己了。
”
——莎士比亚《威尼斯商人》第一幕
2019年，阿云嘎出演话剧《威尼斯商人》男主角安东尼奥，他撰写了大量人物笔记，不断深入研究角色的心路历程，光是开场一段关于“烦恼”的独白，就让他深深着迷。
嘎子发现：英国戏剧家莎士比亚创作于四百多年前的这部作品，对于人物心理状态的描摹，穿越了岁月长河，直到今天依然会在现代人生活里得到一种百分百吻合的对照与呼应，这是无比奇妙，属于艺术的，不朽魅力。
我们为什么烦恼？又为什么而快乐？“阿云嘎”在大家眼中，又是怎样的角色？科班出身追逐梦想的音乐剧演员，经历坎坷终于成名的幸运儿，孜孜不倦磨砺自我的创作者，焦虑著也幸福着的普通人……阿云嘎和我们一样，活在“痛并快乐着”的追逐之中，而“艺术”，是让平凡生命为之发光的源泉。
听一首歌，读一本书，观看一部电影，欣赏一场表演……“艺术”在人类生活里无处不在，却又常被“欲望”的阴影所忽略、湮没、掩埋。
不是束之高阁，不是孤芳自赏，“艺术”，应该是让我们在理想和现实之中，融合也超脱的那一把钥匙。
也是阿云嘎开启新专辑灵感的钥匙——以音乐剧演员身份走入大众视野，他希望用作品寻找与大众更好的交流形式，让更多人感受“音乐”本身的魅力，但决不是标签化他的身份，“音乐剧演员，本身就意味着你是一个歌手，是歌曲情感的表达者，没有必要用形式去分类，而我的诠释会带入更戏剧化的呈现和处理方式，这是我的特色，我要做的是发挥优势，不是侷限。
”
9首灵感源自《基督山伯爵》《樱桃园》《小王子》等9部文学名著的歌曲，1首概念主题曲，阿云嘎汲取养分，通过自我角度转化为全新音乐作品，将“不朽的经典”与“现代人的生活”进行对照，挖掘出那些经得起时光考验，人们内心深处不变的共鸣。
每首歌以名著所触发的感受进行延伸，通过其中人物经历、角色心理、时代背景进行主题创作，不是用一首歌涵盖一部名著内容，而是根据最能引发阿云嘎触动的部分，升华为不一样的音乐创作。
源自艺术，感受艺术，融合艺术，这张专辑的形式，打破当下华语乐坛固有模式，带来全新生命力！阿云嘎想要表达的是，艺术“The Art”是“不朽的”，而他扮演了一个发现者、串联者、歌唱者、致敬者的角色，有丰富解读空间。
“在人生不同阶段重读经典著作时，我们会发现经典之所以为经典，在于传递的情绪、情感，竟然都可以与当下心境产生不同共鸣，穿越时间和现代人的悲喜忧欢共通。
时间变幻，情感却是不朽的，我希望用音乐重新发掘这种不朽的魅力，唤醒我们原本就有的对于艺术、生活和爱，那种最原始的感知与冲动。
”
——阿云嘎
1、不朽的（Immortal）
专辑概念曲，开启所有不设限制的艺术碰撞之序幕。
担任专辑A&R企划统筹的流水纪，在跟嘎子讨论生命起源话题时萌发了灵感，在文字中融入各种奇幻瑰丽画面感，阿云嘎用极具煽动力的旋律和唱腔，引出了关于时间与空间，地球与天外，已知与未知的一场想像力大爆炸——人类创造艺术，艺术记录人类诞生至今所有的奇迹，歌词描绘出各种对比和冲突的意象，讲述生命、宇宙、渺小、伟大不断轮回著的神秘与未知，无论音乐、诗歌、雕刻、绘画……艺术源自人类一切已知未知的探索，各种形式都是不朽，是人类之所以感知一切的原因，我们应该从物质繁华的假象中觉醒、出发，去找回艺术和爱的本质。
编曲在Alternative风格中融入Retro future+Electronic Music风格，从魔性点头的复古前奏，递进到间奏后的Dubstep，最终回归到复古电子乐，每个段落都让旋律和歌词部分有不同的演绎，融入了多种元素，却不会违和，寓意著艺术本身就该有的无界魅力，无论在殿堂还是广场，我们都可以随心起舞。
间奏部分引用法国巴洛克作曲家、音乐理论家让‧菲利普‧拉莫羽管键琴作品Suite in E Minor, RCT 2: VIII. Tambourin，加入新创作花腔，邀请廖佳琳跨刀演绎，将音乐氛围瞬间拉回久远18世纪，却让现代人聆听时浑身热血激荡。
最后副歌用大合唱方式还原阿云嘎“世界之王”式的震撼演唱感受，结尾采用淡出Fade out，是希望这种已经不太常见的方式还原大家聆听时一种体验：有时候，我们宁愿歌声只是离我越来越远，是听不到了，而不是“结束了”。
2、心岛（Love Island）
灵感源自大仲马所著《基督山伯爵》。
因为被人陷害，唐泰斯由婚礼上的新郎沦为囚犯，在牢里挨过黑暗、漫长的14年，逃出虎口后来到基督山岛，找到宝藏，运用财富和智慧开启了复仇计划——作词以主人公生命低谷的心情为突破口，写出最黑暗时却最向往光明的希望。
也许，每个人都正在生活里“抗争”，渴望离开画地为牢的现实禁锢，拥抱无边无际的大海，而这首歌是“强心剂”，鼓舞大家打破自己的边界，前往自由的心岛，别惧怕，那些生命中的惊涛骇浪。
拿到歌词后，嘎子和专辑联合制作人筱真在工作室即兴创作，嘎子通过自弹自唱谱写出旋律，然后在其中融入歌词，从下午两点到晚上11点一气呵成整首作品。
制作上，按照嘎子演唱时的内心剧情发展，从引子带入感到尾声预示性，整个编曲充满了戏剧化冲突，是交响乐、古典音乐和流行摇滚的有机结合，开头采用类似海顿奏鸣曲的和声排列和演奏技法，间奏钢琴、大提琴和女高音三重奏是一次创意融合，阿云嘎的诠释更贴切戏剧类表现，富有张力，音色比之前呈现的作品更加浑厚，吐字更注重字正腔圆，完美支撑起这首需要强大张力的作品。
3、樱桃树下（Under The Cherry Tree）
灵感源自契诃夫所著《樱桃园》。
故事在这座园子里发生，它承载着上一代人的记忆，象征著一个时代、一种观念，而在故事结尾，它却不得不面对要被拆除的命运，曾经生活在这里的人们也被迫离开，开始新的生活，在词作者田薇淇看来，“樱桃园”是唯一无法离开这里的，只能默默数着时间流逝，静静地看着人类命运中必然的成长、老去和终结，最后迎来自己的终点，那么，它会对必须要离开的人们说些什么呢？它又会如何看待自己的命运？
于是，阿云嘎的《樱桃树下》升华出了新的意境——如果离开意味着成长，那么作为我们最初出发之地的“樱桃园”，仿佛是故乡，是家人，是挚爱，对我们做出无尽的嘱咐与祝福：要温柔地对待过去、现在和未来。
别忘了，我们每个人生命中都曾有的那个“樱桃园”般的存在，等待着，守候着，也见证著。
作曲和制作邀请打造法国音乐剧《摇滚红与黑》的著名音乐家William Rousseau为阿云嘎量身定制，William仔细研究了阿云嘎很多演唱视频，彼此沟通讨论超过半年，最终完成的《樱桃树下》是嘎子第一次尝试流行元素如此重的作品，在演唱上有很大突破，咬字方面也反复打磨，力求带来不一样的突破。
4、娜米达（Namida）
灵感源自安托万‧德‧圣‧埃克苏佩里所著《小王子》。
“小时候，妈妈说，故去的亲人就是天上的星星。
那时我还没有经历过分离，我喜欢看妈妈的眼睛，漆黑却明亮，深邃又温暖，像极了草原的星空。
时间飞逝，快得连流泪的时间都没有。
2020年春节，周遭世界突然安静了，人们待在家中，一日三餐，平淡幸福，也有人必须独自面对黑暗夜晚，告别至爱亲朋。
疫情期间，我看到了太多生离死别，又必须坚强面对的故事，我想唱，想表达。
一天下午，我在钢琴上随手弹出一段旋律，自然地哼唱出‘na mi da'，朋友说这几个音是日语里‘眼泪’的意思。
积压了很久的情绪，瞬间找到释放的通道。
四月，旋律创作接近尾声的时候，我失去了一位亲人。
非常时期，我无法送他最后一程。
最痛苦的时候，‘相信’是唯一救赎。
我觉得，娜米达是眼泪，是流星，是悲伤，遗憾和愧疚，也是一个悲观的孩子长大后的阳光和信念，这种感觉也让我想到了《小王子》那本书，是最孤独也最美好的童话，于是我尝试用一种单纯心境来写出这首歌的文字，不管现实怎样沮丧，都要带着希望。
”
嘎子自述《娜米达》创作过程，来自他触碰心底的柔软，歌词和旋律都淳朴而纯真，如同直抵听者内心“微笑的眼泪”。
编曲制作邀请著名音乐人钟兴民合作，在抒情大气的前半段过后，间奏变化令人惊喜，没有延续之前钢琴交响乐风格，而是带来更多戏剧化式跳跃感，嘎子在演唱上特别处理间奏之前的叙述和间奏之后的律动，不仅凸显音乐不设限制的多元性，更唱出那份不会熄灭的“希望”。
5、《牧羊少年》
灵感源自保罗‧柯艾略所著《牧羊少年奇幻之旅》。
牧羊少年圣地亚哥，受梦境驱使，放弃牧羊人的生活，从西班牙南部出发，跨过海洋、穿越沙漠，一路来到埃及，在雄伟的金字塔下寻觅宝藏……对于嘎子来说，他觉得自己仿佛也是那个牧羊少年，同样出生、成长在辽阔草原里的男孩，怀抱着梦想，闯荡这世界。
不知道跋涉了多久，终于一点点接近自己的梦想，遇见更多真心喜欢他、珍惜他的伙伴们——在嘎子看来，《牧羊少年》是自己的一次 “感谢”，感谢这一路上发现自己、陪伴自己的人，就像那本书中说，“当你真心渴望某样东西时，整个宇宙都会联合起来帮助你完成”，所以他决定邀请众多歌迷，组成气势磅礴的“百人合唱团”，收集来自天南海北朋友们的歌唱，共同录制完成《牧羊少年》中的大合唱段落，传达出“有不凡的平凡”，那种振奋人心的力量。
歌曲以温柔键盘开场，随之扬起激昂旋律，阿云嘎的诠释一如少年般热血而铿锵，传达出跃跃欲试、整装待发的力量，他的歌声里，每个人都拥有自己的黎凡特和羊群，我们正在人生旅途中不断地看见自己，找到自己，最后成为自己，意识到原来真正的宝藏，其实就是这段寻找的经历。
《牧羊少年》就像一首“成年人的儿歌”——我们不能让所谓“成熟”带走少年独有的那份锐气，带走实现梦想的那种可能性，应该倾听自己的心，“你的心在哪儿，宝藏就在哪儿！”
6、《2021太空漫游》（2021:A Space Odyssey）
灵感源自亚瑟‧克拉克所著小说，由斯坦利‧库布里克执导的同名科幻电影于1968年上映。
英文原名2001：A Space Odyssey。
Odyssey是漫长苦旅，也是《荷马史诗》最重要的篇章“奥德赛”，神秘的黑色巨石开启了人类智慧，由进化指引人类向太空深处，如同海上漂游的奥德赛，这样的深空探索，是为了寻找真谛，亦是寻找自我。
我们生活的蓝色星球，在茫茫宇宙，本就孤独。
或许，当地球上的人们望着星云，意识到身而为人的孤独，自我探索就已经开始。
创作者及制作人范忆堂，和嘎子深入交流后，决定用苍凉而深邃的编曲，搭配极具想像力和诗意美感的词曲，完成嘎子想在歌里传达的感受——原始、自然、科技、文明、个体、集体……我们在太空或者心房之间的“漫游”，是永远在寻找，在路上，不断重复著的循环吧！这是一首思考人类与万物之间，相互依赖又彼此破坏之关系的作品，有太多迷人的角度可供听者玩味，解读。
看似科幻而未来感十足的华丽氛围里，古典管絃乐铺陈出的层次感，如暗夜绽放花朵，散发“一花一世界”那种渺小VS伟大，时时刻刻都在进行着转换的美妙与刺激。
嘎子的演绎，渗透进了他民族血液里的特质，与“荒野”、“燎原”等词句浑然一体，是自然而非拿捏能做到的挥洒自如。
“深不见底的深空”这种高难度的句子，他却带出强烈的少年感，这大概就是，赤子之心。
7、《被雨淋湿的人》（Let It Go）
灵感源自莎士比亚所著戏剧，也是阿云嘎筹备整张专辑的缘起——在扮演男主角“安东尼奥”过程中，他发现了名著之所以“不朽的”艺术魅力，在于经历岁月变迁后，依然对一代又一代人的思想和生活产生巨大影响，身为歌手、创作人的自己，从这些名著中汲取的养分可以化作新的作品，和更多人碰撞和交流。
《被雨淋湿的人》由安东尼奥关于烦恼的独白出发，穿越了数百年时光，依然一瞬间无缝连接进现代人的生活——我们的“烦恼”，究竟从何而来？清晨卧室醒来那一刻就百爪挠心，大街上四处冲撞却无法突出重围，直到深夜万籁俱寂时内心还在翻滚煎熬……作词人流水纪根据嘎子的旋律，构建出一个个困兽犹斗般的，现实与梦幻交织的场景，编曲和演唱都以躁动而硬核的摇滚元素贯穿始终，嘎子展现极具爆发力的唱腔与澎湃的情感冲击力：当经历太多无处不在、密不透风的束缚，我们终于在“一了百了 爱谁谁”呐喊中，迎来“爱上谁 不是罪”的彻底爆发，但不是发泄，是最真诚而燃烧着热血的鼓舞！
是的，莎士比亚写下的剧本有太多深意可以解读，正如人们的情感关系如此纤细而丰富——谁规定“爱”是什么样子，什么样子的“爱”是唯一正确？其实，一切没有标准答案，一切无法被约定俗成。
嘎子的歌声，是最猛烈而真诚的鼓舞，鼓舞人们都应该勇敢地视自己的内心，去接受和拥抱那么多不一样却一样动人的爱。
如果你也是“被雨淋湿的人”，别害怕一时暴雨让自己狼狈不堪，要相信，经过考验的我们，就像雨过天晴后出现的彩虹，会有最迷人的美。
8、变形记（The Metamorphosis）
灵感源自弗兰兹‧卡夫卡所著小说。
很多人在提到原著的时候，都会提到“人变成甲虫”所反映出的人性被社会上某些唯利是图风气所扭曲、异化的荒诞与讽刺意义，但嘎子却在反复阅读文字中，发现了主人公格里高尔即便经历毁灭性的打击，对于“妈妈”所代表的家人，那种纯粹而炙热的，“烙印”般的爱。
制作人孙彬赫听到嘎子关于这首歌的叙述之后，脑中浮现就是这两个字：烙印。
《变形记》里的阿云嘎要诉说的是一种极其深厚，刻进了肉体和灵魂的告白，从开头钢琴和絃乐纯音乐前奏，搭配男人忧郁的念白开始，就以沉浸感极强的音乐剧氛围层层递进，诉说和演唱缠绕在一起，像变成了甲虫的人在无力地伸出触角，副歌一声声呼唤的“妈妈”，是绝望而悲怆的求助，震撼人心！
这是一首阿云嘎仿佛用尽全部力气诠释的作品，是一个人表演的一部音乐剧，有太多戏剧化细节值得反复体会，嘎子想提醒我们的却很简单，就是好好“珍惜当下”，珍惜生命和爱，因为永远不知道明天会发生什么意料不到的变化，与其失去后追悔莫及，此刻和所爱的人彼此呵护，是我们可以做到的事情。
9、华丽世界的幻觉（A Grand Disillusionment）
灵感源自弗朗西斯‧斯科特‧基‧菲茨杰拉德所著《了不起的盖茨比》。
关于爱的幻觉，哪怕如盖茨比一般恢弘壮丽、声色犬马，最终也一样破灭，更遑论你我这样的普通人，虽然这样的破灭也很美，因为“破灭”恰恰说明曾经存在过，“破灭”本身就是“存在”的反证，只是这样的破灭太痛苦了！因为失去的，不只是爱本身，更有最美好的期待，和多年的心血。
制作人张筱真听到嘎子创作的旋律后颇为惊艳，闪现了一个念头，“这首歌应该是大提琴和人声的对话”，于是特邀大提琴演奏家朱亦兵助阵，整个音乐段落采用回旋曲结构，纯交响乐伴奏的古典配器方式，周而往复循环中，嘎子的诠释却不会让人觉得乏味，一遍编如同幻觉般似是而非的节奏里，所有人的灵魂底色仿佛被嘎子冷静而不动声色的演唱所揭开，揭开他人的残忍和自己的愚昧。
很多时候，我们无法确认我们到底是真实活在一段感情里，还是活在我们自以为的幻觉里。
嘎子希望，这首歌在大家脑海里回味的时候，可以找到世间最真实的情感，不要沉溺于不切实际的幻觉，无论它有多美。
10、我等了你五十一年九个月零四天（Fool Around With You）
灵感源自加西亚‧马尔克斯所著《霍乱时期的爱情》，讲述一段跨越半个多世纪的爱情故事：男女主人公在二十岁的时候没能结婚，因为他们太年轻了；经过各种人生曲折之后，到了八十岁，他们还是没能结婚，因为他们太老了。
在五十年的时间跨度中，作者展示了所有爱情的可能性，所有的爱情方式。
深受触动的嘎子，一直在想该用怎样的音乐来表达自己对这个故事的感受，而他亲自谱写的旋律诞生后，大家一致认为：应该出现一个女声，加入到歌曲里，和嘎子一起共同完整小说中男女主人公没有圆满的爱情，弥补这个遗憾，而声音里拥有温柔也坚韧力量的谭维维，是不二人选。
这首歌表达了三个层次。
第一层是荒唐，“充满希望的最绝望”、“肆意飘荡是最坚定方向”，甜美的被流放，充实的虚度时光……都是看似矛盾的状况，本身就有一种马尔克斯般的魔幻现实感，男女本身的行为就是荒唐的，反世俗的，但是爱本身就是荒唐；第二层是荒凉，在船上飘荡，没有前后左右，没有方向，时间和空间都进入了随机模式，但外部的荒凉很多时候也意味着内心的丰沛；第三层是茫茫，此时，东西方的名著产生了“意会”，如同《红楼梦》“落得个白茫茫大地真干净”，和这首歌的终极状态，产生了一种奇妙共鸣。
嘎子和维维的合作演绎，就像进入了这三个层次后，已浑然忘我的境界——爱情虚幻，好像看不见也摸不著，可是它又很强烈，强烈到你无法得到的时候，像是得了一场霍乱。
爱而不得之后，每个人都有不同选择，有的人选择妥协退而求其次，有的人选择埋葬过去重新开始，有的人选择一直等待坚持，嘎子和维维要表达的就是这种超越时间和空间的坚持。
在那条被命令来回航行的轮船上，为了获得彻底的宁静，男人女人让船长挂起代表霍乱的黄旗，当船长询问这对奇异的老年情人返航时间时，阿里萨，费尔明娜的男友，给出了答案——一生一世。
（文案：流水纪）
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